Os escravos de Satanás

"Pengabdi Setan", de Joko Anwar (2017) Co-escrito e dirigido por Joko Anwar, "Os escravos de satanás" é um terror vindo da Indonésia. O filme é um remake do filme homônimo de 1980, dirigido por Sisworo Gautama Putra e baseado em um roteiro de Subagio S. O filme traz referências a clássicos do gênero: "O bebê de Rosemary", "Os outros" e "Poltergeist". O filme foi a maior bilheteria de 2017 na Indonésia, com 4,2 milhões de espectadores. Uma famíla vive com dificuldades financeiras depois que a matriarca ficou doente. O ano é 1981, e a família mora em casa decadente, localizada no campo, pertencente à avó. Mawarmi, outrora cantora famosa, ficou doente e prostrada na cama. Seu marido está desempregado. A família até então vivia dos roylaties das músicas dela, mas os lucros acabaram. O casal possui 4 filhos: Rini, a mais velha. Toni, de 16 anos. Bondi, de 10 anos e Ian, de 6, prestes a fazer 7 anos. Quando Mawarmi morre, o pai decide ir até a cidade tentar arrumar um emprego. Os filhos ficam na casa, mas estranhos acontecimentos começam a acontecer. Rini acaba descobrindo que sua mãe, quando se casou com seu pai, era infértil, e acabou fazendo um pacto com adoradores de Satanás para poder ter filhos. Agora, os adoradores querem levar Ian, no dia que ele completar 7 anos. Eu li bastante sobre o filme, e os fãs diziam ser um dos maiores filmes de terror e que era assustador. O filme não assusta tanto, e como terror, é bastante óbvio, afinal, a história é uma colcha de retalhos dos filmes citados acima. Vale pelo elenco, todos bons, e pela fotografia.

Cruel hands

"Cruel hands", de Al Kalyk (2026) Eu queria ter gostado desse thriller australiano. Vi o trailer que me enganou direitinho, parecia ser um filme de terror. O filme é um terror, mas não ao pé da letra de gênero. É o drama de uma mulher que sofre abusos de violência doméstica do marido, e decide fugir de casa com seu filho de 12 anos. Ela se esconde na casa de sua tia, isolada no meio de uma floresta. Mas a coincidência é que nos arredores da floresta, estão ocorrendo o devastador incêndio de 2019, que dizimou boa parte da faua e flora. E para piorar, seu marido descobre onde ela está e vai atrás. Co-escrito e dirigido por Al Kalyk, o filme venceu o prêmio de melhor filme Austin film awards 2026. A montagem é confusa, alternando cenas no presente com flashbacks. Os dois atores principais estão ótimos. Maria (Mavournee Hazel), que interpreta a mãe, e Dai (Diesel La Torraca), o adolescente apresentam tensão e drama. O desfecho ficou corrido e dramaticamente não gostei. O trabalho da fotografia de Charlie Cole é muito eficiente, trazendo uma textura vintage. Os efeitos do incêndio também são bem resolvidos, ainda mais pensando que é uma produção de baixo orçamento. Uma pena que o roteiro não desenvolva melhor os personagens.

O pacto

"The covenant", de Renny Harlin (2006) Renny Harlin é um diretor que possui uma extensa lista de filmes dirigidos em Hollywood. A maioria, filmes que foram execragdos pela crítica. Recentemente, ele lançou a criticada trilogia 'OS estranhos", e o filme de stubarões "Águas mortais". Em 2006, ele lançou 'O pacto", logo depois de "Exorcista, o início", onde ele contava a a história pregressa do Padre Merlin, vivido por Stellan Skasgard. Em "O pacto", Harlin adapta a HQ "The covenant", da Top Cow. O filme lembra a trama de "As juvens bruxas", de 1998, ao apresentar 4 amigos, descendentes de uma clã da Colônia de Ipswich do Massachusetts, em 1692. Uma das linhagens foi banida pela ambição no uso dos poderes sobrenaturais. Nos dias atuais, os 4 amigos estudam em uma Universidade. Entre farras, baladas e namoros, os amigos precisam lutar contra Chase (Sebastian Stan, em início de carreira), descendente da clã banida, que veio se vingar e quer sugar o poder dos 4 amigos. Curioso que o filme acabou sendo uma referência para o mega sucesso de "Crepúsculo", que viria 2 anos depois, em 2008. A receia envolve trama envolvendo romance, terror, ação, aventura e claro, um elenco bonito com homens jovens semi nús. O elenco aqui masculino é o grande chamariz do filme, todos escolhidos a dedo e ainda tendo um sub-plot de cameponato de natação só pra botar todo mundo de sunga.

Seu inferno particular

"Her private hell", de Nicolas Winding Refn (2026) 10 anos depois de ter exibido seu 3o filme no Festival de Cannes, "O demônio de Neon", em 2016, o cineasta dinamarquês Nicolas Winding Refn, dos excelentes 'Drive" e do subestimado 'Só Deus perdôa", retornou no mesmo Festival francês com "Seu inferno particular". Assim como seus últimos filmes, o filme dividi a crítica, recebendo muitas vaias e alguns aplausos. Eu sou muito fã de Refn de seus 2 filmes com Ryan Gosling, filmes que redefiniram a estética dos filmes de ação. Mas tanto "Neon", quanto "Inferno", se enveredaram para uma narrativa mais surreal, desconexa, aberta a interpretações. Não por acaso, são os filmes onde Refn mais se aporxima do cinema de Dario Argento, que também costumava deixar muitas pontas soltas, sme dar explicações. Elementos sobrenaturais, fotografia saturada e uso de cores fortes, interpretações empostas, e claro, o assassino de couro e luvas pretas, são a prova definitiva da homenagem ao gênero giallio. A forma com que o assassino mata também é marca registrada de ARgento, principalmente de "Suspíria": a vítima tem o tórax rasgado e a cabeça estourada ao bater no vidro da janela. Mas existe também uma homenagem a outro mestre do horror: John Carpenter. Uma das tramas acompanha um nevoeiro, que oda vez que surge, traz uma figura que encarna a morte, no caso, o serial killer. No filme de Carpenter, 'A bruma assassina", o mote é o mesmo. Refn também exacerba o homoerotismo no filme, através da presença do galã Charles Melton ( de "May december"): seja vestindo um uniforme de guarda japonês dos anos 60, ou uma jaqueta de couro com o peito nú, Melton exala sensualidade por cada poro de seu corpo. A trama é uma bagunça. O que interessa no filme, é ficar acompanhando a estética visual, que remete tanto aos giallios dos anos 70 e 80, quanto à ficção científica de "Blade runner". O filme tem 2 tramas andando paralelas, que se unem no fim: no futuro, uma jovem atriz, Elle (Sophie Tatcher), procura se reconciliar com seu pai e sua madratas, enquanto filma. Nos anos 60, um ex-soldado japon6es, K (Melton) está em busca de sua filha, levada pelo serial killer "O homem de couro". Outro ponto positivo é a trilha sonora do mestre Pino Donaggio, que fez trilhas para Brian de Palma nos anos 80. A fotografia é um espetáculo à parte.

Orégano: la Familia Fracaso

"Orégano: la Familia Fracaso", de Ramsés Tuzzio (2022) Escrito e dirigido por Ramsés Tuzzio, "Orégano: la Familia Fracaso" é a adaptação da peça teatral escrita por Sergio Lobo. O filme se passa inteiramente em uma pequeno conjugado da periferia de Buenos Aires, onde uma mora uma família composta de 4 pessoas: os pais, Alicia (Marianela Bucafusco), uma ex-canntora fracassada e que joga a culpa do fracasso na família; o pai, Norberto (Juan Garrido), um ex-açougueiro que fehou sua loja com a crise econômica de 2001; a filha Romina (Selva Jiménez), que culpa os pais pela situação em que vivem, e o filho Gordo (José Ponce), que tem autismo e vive em um mundo de fantasia. Durante o filme todo, a família se insulta com rancor e violência, dentro d eum tom teatral. Me fez lembrar do clássico de Ettore Scola, "Feios, sujos e malvados". A estética usa elementos do teatro e do cinema, em uma mistura que não me agradou muito, por conta do ritmo e do exagero cênico.

Nadie va a escuchar tu grito

"Nadie va a escuchar tu grito", de Mariano Cattaneo (2025) Slasher argentino escrito e dirigido por Mariano Cattaneo. O filme é uma produção independente e é ambientado durante a Copa do mundo de 1990. Enquanto o time da Argentina joga na Itália, um serial killer age no bairro de Bernal, uma área residencial de Buenos Aires. Em cada partida da ARgetina, enquanto as pessoas estão em casa assistindo ao jogo e as ruas estão vazias, o assassino faz uma vítima. Enquanto isso, Micaela (Sol Weiner) é uma jovem que cuida da loja de seu pai, enquanto ele viaja. É uma loja de discos, cassette e venda de instrumentos musicais. Micaela também é Dj em um fliperama. O caminho de Micaela cruza com o do assassino, e ela precisa descobrir a identidade dele antes que ele faça mais vítimas. Obviamente que o filme tem uma trilha sonora pauta em sintetizadores. A influência do giallio é forte, com o assassino usando luvas de couro. A fotografia traz as cores fortes do gênero. A atriz Sol Weiner é boa, e funciona como a fnal girl. No trecho final, o filme fica meio solto, com uma cena mal resolvida na loja de discos. As ceneas de morte são gráficas e farão a alegria dos fãs.

Sussurros ao luar

"Gekkô no sasayaki", de Akihiko Shiota (1999) Co-escrito e dirigido por Akihiko Shiota, "Sussurros ao luar" começa como um típico romance adolescente entredois estudantes japoneses. Mas ao longo do filme, esse romance muda de tom, e se transforma em um jogo fetichista e de sadomasoquismo. O filme concorreu no Festival de Locarno e venceu diveros prêmios em festivais de filmes de arte. Takuya Hidaka (Kenji Mizuhashi) é professor de Kendo (uma espécie de esgrima) junto de seu amigo Uematsu (Kota Kusano). As alunas são todas garotas. Apos romper um relaionamento, Takuya fica obcecado pela aluna Satsuki Kitahara (Tsugomi), que corresponde. Ela frequenta a casa de Takuya e aos poucos passam a se relacionar. Satsuki descobre por um acaso uma gaveta fechada de Takuya e ao abrir, encontra fotos suas, objetos fetichistas eróticos e uma fita cassete com o som dela urinando. Assustada, ela se afasta de Takuya. Ele pede perdão e diz que fará qualquer coisa para revar o amor dela, sendo submisso. Para fazê-lo se humilhar, Satsuki passa a namorar Uematsu. Ela amarra TAkuya escondido no armário, e o orbiga vê-la fazendo s3x0 com Uematsu. O casal se entrea em jogo de submissão e humilhação. Ousado, por utilizar personagens pós adolescentes para apresnetar um romance baseado em fetiches de dominação, "Sussurros ao luar" traz ótimos atores e cenas, mesmo que sensuais, apresentadas com bastante romantismo.

De Acá a la China

"De Acá a la China", de Federico Marcello (2019) Escrito, dirigido e protagonizado pelo cineasta argentino Federico Marcello, "De Acá a la China" é uma simpática dramédia filmado em Buenos AIres e na China, na cidade de Xiamen, Fujian. Federico é Facundo. Seu pai foi dono do supermercado do bairro até os anos 90, com sucesso. Mas com a vinda de chineses, que abriram supermercados concorrentes, o pai de Facundo faliu e fechou as portas. Agora, ele decide se vingar. Com o pretexto de estudar mandarim na China, Facundo viaja para Xianmei para se vingar: ele quer abrir o primeiro mercado argentino no país, vendendo produtos argentinos, como mate e doce de leite. Para isso, ele conta com a ajuda do amigo Pablito (Pablo Zapata), que mora na China há anos e vai se tornar sócio dele. O filme , mesmo trazendo humor de situação ao apresentar as diferenças culturais, traz uma forte melancolia, principalmente no ato final. Tanto Facundo, Pablito e os chineses que surgem na história, possuem uma tristeza no olhar e trazem discursos edificantes, poéticos e de enaltecimento da história da família e de sua cultura.

Alice

"Neco z Alenky", de Jan Švankmajer (1988) Vencedor do prêmio do juri no Festival de Annecy 1989, 'Alice" é uma versão surrealista da obra de Lewis Carrol realizada pelo cineasta tcheco Jan Švankmajer. Segundo o próprio cineasta, ele sempre foi fã da obra, mas estava insatisfeito com as versões feitas até então ( o filme é de 1988), que seguieam um tom mais infantil e de conto de fadas, de acordo com Jan. O filme mistura atores com bonecos em stop motion. A pequena Kristýna Kohoutová interpreta Alice, a única atriz do filme. Todo o restante é composto por animação em stop motion. Jan adapta a história com algumas liberdades criativas, como por exemplo, Alice segue o coelho branco e emabos entram em uma gaveta de uma estante, transportando-os para o mundo das maravilhas. O tom é sombrio, quase de pesadelo, com uma fotografia mais assustadora e uma trilha que dá a atmosfera lúgubre.

Zona zero

"Gunche", de Yeon Sang-ho (2026) Exibido no Festival de Cannes 2026 na Mostra midnight screening, "Zona zero" é co-escrito e dirigido por Yeon Sang-ho, mesmo cineasta do clássico doz zumbis sul coreano "Invasão zumbi", que trouxe um novo olhar sobre a forma em que os zumbis são apresentados. Com "Zona zero", eon me fez lembrar de um filme esquecido do mestre dos zumbis George Romero: em 2005, ele lançou "Terra dos mortos", com John Leguizamo, Dennos Hopper e Asia ARgento lutando contra zumbis evoluídos intelectualmente, seres que agora raciocinam e trabalham em grupo, sob o comando de um líder. Pois essa é a mesma premissa de "Zona zero". Ambientado quase todo em um shopping center ( e de novo, trazendo outra referência de George Romero, "Madrugada dos mortos", que também acontece todo em um shopping), "Zona zero" começa com uma conferência biotecnolígica que ocorre no prédio. Suh Young-chul, um cientista desprezado pela comunidade científica, quer se vingar e para isso, injeta nele próprio um vírus que ele criou. Esse virus possibilita que ele, como hospedeiro 1, fique imune a se tornar um zumbi. Ao injetar o vírus em um cientista concorrente e que roubou a sua pesquisa, o caos se instala no shopping, com todos os infectados se transformando em zumbis. Só que como uma colônia de formigas, Suh consegue se comunicar mentalmente com todos e ordenar o que eles devem fazer.Os sobreviventes precisam lutar pela vida e tentar prender Suh, para extrair dele a vacina que cure a todos. O filme, assim como "Invasão zumbi", é concentrado em um espaço, o que torna o suspense e a ação mais claustrofóbicos. No resultado final, achei menos divertido e criativo que o filme anterior. Os personagens não são tão carismáticos quando em "Invasão zumbi". Aguns personagens são irritantes na sua decisão. MAs vale pelos efeitos e pelo otimo trabalho dos zumbis interpretados pelo elenco.

Hot line

"Hot line", de Lucas Nicotti (2025) Melhor atriz no Festival de Stockolm 2025 para Magui Bravi, também produtora, "Hot line" é um terror slasher argentino dirigido por Lucas Nicotti e escrito por Nicanor Loreti e Paula Manzone. O fime traz referências ao cinema giallio italiano, com direito ao serial killer de luvas pretas. A fotografia traz as cores fortes comuns ao gênero, e a final girl interpretada por Magui. Ambientado no final dos anos 80, Malena (Magui Bravi)foi uma celebridade da televisão por um bom tempo, mas como se opôs aos assédios de um produtor, foi banida do mercado. Para sobreviver, Malena trabalha em uma balada como stripper e também trabalha em casa como atendente de hot line, uma linha telefônica para conversas sexuais e fantasias eróticas com o cliente. Malena deseja se tornar escritora, e se baseia nos relatos dos clientes para escrever a obra. Um serial killer, que anda matando mulheres, se torna o seu cliente e passa a assediá-la. O filme funciona para um publico que não for exigente com performances e com roteiro consistente. A história é confusa, com muitos sub-plots que mais atrapalham do que ajudam. As falsas pistas para descobrir quem é o assassino e as cenas de morte são boas. A melhor parte é o ato final, concentrando a parte mais explícita de violÊncia, com direito a uma cena de morte que me chocou pela forma como é apresentada, me lembrando de "Irreversível", de Gaspar Noé, na cena inicial.

O suflê

"The Souffleur", de Gastón Solnicki (2025) Concorrendo no Festival de Veneza 2025, "the souffler" é um filme escrito e dirigido pelo argentino Gastón Solnicki e protagonizado pelo astro Willen Dafoe. Co-produzido pela Argentina e Áustria, o filme foi todo rodado no Hotel Intercontinetal Vienna. O filme ficionaliza um ato real: O Hotel InterContinental Vienna, construído em 1960 e localizado perto do Stadtpark, foi vendido para a empresa WertInvest e faz parte do polêmico projeto de reurbanização "Heumarkt Neu". O cineasta se baseou na premissa e conta a história do gerente do Hotel, Lucius (Dafoe), que trabalha há muitos anos no hotel. Agora decadente, ele coordena o quadro de funcionários, que inclui a sua assistente e filha, Lilly (Lilly Lindner) . Lucius, com seu perfeccionismo e precisão, supervisiona todas asáreas: arrumação dos quartos, quadra de tênis, cozinha, recepção Recebe os turistas e checa o bem estar, além de oferecer bônus e brindes em caso de reclamações. Mas quando um empresário argentino, interpretado pelo próprio cineasta, pretende comprar o hotel e demoli-lo para dar lugar a um novo empreendimento arquitetônico, Lucius entra em crise existencial. O filme trata de diversos temas. A gentrificação, a falta de resgate da memória arquitetônica (o filme apresenta imagens de arquivo da construção do hotel nos anos 60), e a fidelidade à profissão, através do personagem de Dafoe, que me fez lembrar do mordomo de Anthony Hopkins em "Vestígios do dia". Visualmente, o filme tem uma rigidez dos planos fixos, que em algum momento me fez lembrar de "O grande hotel Budapeste", de Wes Anderson. Mas não tem nada a ver. Está mais para um filme de Yorgos Lanthimos, com cenas e personagens excêntricos e muita estranheza.

Pequenas criaturas

"Pequenas criaturas", de Ana Pinheiro Guimarães (2025) Melhor filme e direção de arte no Festival do Rio 2025, "Pequenas criaturas" é escrito e dirigido pela cineasta brasiliense Anne Pinheiro Guimarães. Esse é seu segundo longa ( o 1o, "Transe", mostra um triângulo amoroso no meio de um turbilhão político e social no Brasil). O filme fala sobre ausências e possibilidades que pairam no ar, e ficam em aberto, assim como os seus personagens. Em determinado momento, o personagem de André, o filho mais velho de Helena (Carolina Dieckmann), diz que se pudesse ter um poder que fosse o de adivinhar o futuro. Será que a mãe se abrirá à uma possibilidade de amor lésbico? Será que o personagem do morador do apartamento do 304, é um p3d0f1l0, ou um adulto que age como uma criança? Será que um dos personagens se tornará um adolescente rebelde e marginal em Brasília? Será que o marido de Helena, e pai de Dudu (lorenzo Mello) e André, Luís (Michel Melamed), voltará um dia? O filme se passa em Brasíla, 1986. Sarney é o presidente empossado, sunstituindo Tancredo Neves. O país volta a se democratizar. Helena se despede de Luís no aeroporto, que viaja a trabalho. Ela e seus filhos estão sozinhos na capital, um lugar inóspito, monumental e solitário. Nesse deserto de concreto e cerrado seco, cada um deles viverá a sua história. A fotografia de Pablo Baião acentua a melancolia da capital. Brasília geralmente é vista no cinema como um lugar de encontros e desencontros de almas solitárias. O filme traz referências cinéfilias: "Bang bang", clássico de Andrea Tonacci, com um dos personagens usando a máscara de um macaco de "O planeta dos macacos"; "Pecados íntimos", na posisbilidade de um ataque p3d0f1l0; e "Contatos imediaos do 3o grau", no desfecho lúdico e fantástico. O elenco principal, formado pelo núcleo familiar, está excelente. Participações de Caco Ciocler, Leticia Sabatella e Fernando Eiras.

Sexo fácil, películas tristes

"Sexo fácil, películas tristes", de Alejo Flah (2014) Escrito e dirigido por Alejo Flah, "Sexo fácil, películas tristes" é uma comédia romântica co-produzida por Argentina e Espanha. Rodado em Madri, o filme ganhou o prêmio de melhor ator para Ernesto Alterio no papel do protagonista Pablo. Professor de letras, Pablo trabalha também como roteirista para cinema. Pablo é casado com Valeria (Julieta Cardinali), mas o relcionamento entrou na rotina e vai mal. Andrés Luis Luque), seu amigo produtor de cinema argentino, encomenda um roteiro de comédia romântica para Pablo. ele começa a escrever o romance açucarado e apaixonante entre Victor (Quim Gutiérrez), um designe, que conhece Marina (Marta Etura) em uma livraria e se apaixonam. Mas a história de amor desencantada de Pablo acaba interferindo também na ficção, e Victor e Marina também se desentendem. Um filme delicioso, com excelentes atores e lindas locações em Madri. Os personagens são carismáticos, e a história, mesmo que previsivel, traz um tom melancólico, filmado com elegância.

Grigris

"Grigris", de Mahamat-Saleh Haroun (2013) Concorrendo à Palma de ouro no Festival de Cannes, de onde saiu com o prêmio Vulcan prix technical arts, "Grigris" é uma co-produção do país africano Chade, França e Bélgica. Filmado em Chade, o filme é a estréia como ator do protagonista Souleymane Démé, um homem que nasceu com deformidade nas pernas e ganha a vida dançando música eletrônica em vilarejos, com o público dando contribuições em dinheiro pela apresentação. Levemente inspirado em sua vida como dançarino Grigris mora com sua mãe e seu padrasto, que possui uma pequena loja faz tudo. Mimi (Anaïs Monory, também estreante) é uma prostituta e se encanta com Grigris e a sua dança. Os dois se apaixonam. Quando o padrasto de Grigris fica doente e precisa se internar em um hospital, Grigris precisa arrumar dinheiro para o alto custo. Ele se oferece para trabalhar para o mafioso Moussa, que possuiu um esquema de contrabando de gasolina. Quando Grigris decide dar a volta em Moussa e usar o dinheiro para pagar o hospital, ele e Mimi são ameaçados de morte. O filme tem uma narrativa que conversa com o documental, com imagens e registros do cotidiano com um olhar antropológico. Algumas cenas são muito bem conduzidas, como as do salão de dança ou a insuitada cena final, envolvendo as mulheres de um vilarejo. O filme vai em um crescendo de suspense e o espectador simpatiza com o casal, interpretados com naturalismo pelos atores.

Back to the Wharf

"Feng ping lang jing", de Xiaofeng Li (2020) Premiado em diversos festivais de cinema, "Back to the wharf" também concorreu no Shanghai film festival em 2020. O filme é um thriller noir chinês, filmado com bela fotografia, acentuando tom melancólico do filme. A água é uma constante, seja no mar, da cidade litorânea, ou nas ruas molhadas, ou na chuva constante. O filme ecomeça em 1997. O adolescente Song Hao (Yu Zhang, quando adulto) mora com seus pais. Ele é estudioso e está prestes a ganhar uma admissão para a Universidade. Li Tang ((Hong-chi Lee), quando adulto) é seu melhor amigo, e filho do prefeito local. Quando o diretor da escola diz que Song perdeu a sua bola em prol de Li Tang, o jovem fica desconcertado. Seu pai, Song Jianfei (Wang Yanhui ),decide se vingar de Li Tang e segue até sua casa. Song , temendo que o pai faça alguma tragédia, pega a bicicleta e vai avisar Li. Mas Song entra na casa errada. O dono acha se tratar de um assalto. Para se defender, Song o esfaqueia e sai correndo. O pai de SOng entra em seguida e ao ver que o homem diz que irá entregar Song para a polícia, decide matá-lo. Toda essa ação é testemunhada por Li Tang, à distÂncia. Songa decide fugir para Ghanzou. 15 anos depois, Song trabalha em uma fábrica de alvenaria. Ao saber da morte de sua mãe, ele retorna para a cidade, e agora precisa enfrentar o trauma do passado. O filme tem uma trama confusa, se desdobrando em diversos sub-plots e personagens paralelos, como a ex-colega de Song da escola, com quem se casa, ou a filha adolescente do homem morto. A trama dos mafiosos me fez lembrar a changatem de "Chinatown". Vale pela atmosfera e pela fotografia.

Um jovem poeta

"Un jeune poet", de Damien Manivel (2014) Co-escrito e dirigido por Damien Manivel, "Um jovem poeta" recebeu menção honrosa no Festival de Locarno. Críticos compararam o filme do cineasta francês ao cinema do sul coreano Hong Sang-soo, tanto em termos narrativos, quanto estilístico. Composto de planos fixos e longos, como sketches, em tempos reais e sem cortes, em registros de cotidiano, seja bebendo, caminhando e encontrando pessoas aleatórias no caminho. Assim é o jovem Rémi (Rémi Taffanel): recém completada a maioridade, com 18 anos, ele já deseja se tornar um poeta. PAra isso, ele precisa entender o que inspira m poeta? Em crise criativa e sem saber por onde começar, ele vai para a cidade litorânea de Séte, tranquila e deserta Ali, entre caminhadas, idas para a praia, cemitério e bares, ele encontra pessoas aleatórias, buscando sempre uma inspiração. O filme traz um fino humor de situação. Rémi, mesmo passando os dias, usa sempre o mesmo figurino de adolescente: chinelos, bermuda e camiseta azul. O filme é dividido em capítulos, e no final, uma situação inusitada: Rémi quebra a quarta parade e desabafa com o autor do filme, sem encontrar respostas.

Hen

"Kota", de György Pálfi (2025) Um trunfo de direção, "Hen" é um filme que apresenta o ponto de vista de uma galinha sobre o trágico e cruel mundo que a rodeia. O espectador acompanha diversos infortúnios da ave, desde fugir de ser morta pelo fazendeiro, depois sendo persgeuida por uma raposa, um cachorro de caça, umm gavião e outros perigos. Me lembrei d eimediato da obra-prima de Robert Bresson, "Baltazar", e de "Eo", de Jerry Skolimowski, que mostram a perspectiva de um pobre jumento, e também de "Cow", de Andrea Arnold. Todos esses filmes que deixaram arrasado no final. Tem crítico que o comparou à premiada animação "Flow", e faz total sentido, obviamente sme a parte fantasiosa. É a epopéia de uma galinha lutando pela sua vida, e no caminho, cruzando com manifestantes que protestam contra o governo, mafiosos e fazendeiros. Co-esrito e dirigido por György Pálfi, "Hen" é uma co-producao da Alemanha, Grécia e Hungria. Para o filme, foram utilizadas 8 galinhas, cada uma para uma especialidade de ação. O diretor jura que nãofoi usado nenhum CGI. Existe uma cena em particular, onde. agalinha precisa atravessar uma auto-estrada para fugir da raposa, que tenho minhas dúvidas sobre não ter sido usado CGI. É uma cena priorosa. ALiás, tecnicamente, todo o filme é um primor. Não bastasse, a fotografia exuberante de Giorgos Karvelas dá um tom poético à essa fábula. Merecidamente, o filme levou menção honrosa em Toronto e concorreu em San Sebastian.

Labour of love

"Asha Jaoar Majhe", de Aditya Vikram Sengupta (2014) Comparado por muitos críticos à obra-prima "Amor à flor da pele", de Wong Kar Wai, o filme indiano "Labour of love" é escrito e dirigido pelo cineasta Aditya Vikram Sengupta. O filme concorreu em importantes Festivais, como Shangai e BFI London. O filme é totalmente sem diálogos e fotografia estilizada foi captada pelo próprio diretor, junto de Manoj Karmakar. Ambientado nos arredores decadentes da periferia de Calcutá, "Labour of love" apresenta um jovem casal, sem nome. A mulher (Basabdutta Chatterjee) trabalha de dia em uma fábrica de bolsas. O homem (Ritwick Chakraborty) trabalha de noite em uma gráfica. Como pano de fundo, um narrador de rádio expõe a recessão econômica e o alto desemprego na Índia. O casal, por conta do trabalho árduo, quase nunca se vê, pela diferença de turno. Existe um parco momento do dia em que eles conseguem se ver. O filme mostra a rotina do casal, em registro documental, mas com movimentos de câmera muitas vezes em velocidade lenta e com uma fotografia acentuada em constrastes, trazendo lindas imagens sobre um conteúdo de extrema pobreza. Uma crítica ao sistema de emprego que torna a todos automatizados e sem alma, não podendo aproveitar momentos de lazer ou desfrutando do carinho de parceiros.

Sessão espírita

"Korei", de Kiyoshi Kurosawa (2020) Prêmio da crítica no Festival Fantasia, "Sessão espírita" é um filme de terror sobrenatural de Kyoshi Kurosawa, o mestre do gênero no Japão. "Sessão espírita" foi lançado entre dois dos mais famosos filmes do cineasta, 'A cura" e "Pulso". Co-escrito e dirigido por Kyoshi Kurosawa, a excelente trama é adaptada do livro "Séance on a Wet Afternoon", de Mark McShane, publicado em 1961. e que já havia sido adaptado em 1964 por Bryan Forbes no filme "Farsa diabólica". Existem elementos na trama que me fizeram lembrar do cinema de Hitchcock, muito bem engendrado e com um desfecho que celebra culpa e castigo. Junko (Jun Fubuki) é casada com Sato (Kôji Yakusho). Eles moram em uma casa isolada na periferia. Ela é dona de casa e tem dons de mediunidade. Sato é técnico de som e trabalha para uma produtora de documenários. Junko quer provar que é medium e assim, ganhar fama e poder ter clentela. Mas o professor universitário, especializado em confirmar mediunidade, não acredita nela. Uma menininha é sequestrada e ao fugir do algoz, se esconde na case de som de Sato, que estava gravando um áudio na floresta. Ao chegar em casa, Junco tem uma premonição e descobre que a menina desmaiada. Ao invés de ligarem para a polícia, Junco tem a idéia de se aproveitar da situação e assim, poder ganhar fama como medium, alertando a polícia que descobriu os rastros da menina. Por um descuido de Sato, a menina acaba morrendo. O casal, desesperado, enterra a garota, mas passam a ser assombrados pelo espírito dela. O filme tem um ritmo lento, mas tem uma trama tão bem amarrada que me deixou atento o tempo inteiro. Os atores são ótimos, e as cenas envolvendo a menina antes de sua morte são bem angustiantes.