Buenas noches

"Buenas noches", de Matías Szulanski (2024) Co-escrito e dirigido por Matías Szulanski, a comédia de ação e humor ácido "Buenas noches" ganhou o prêmio de melhor diretor no Festival de Cinema Espanhol de Málaga em 2025. Evocando o cult "After hours" de Martim Scorsese em cada fotografama, a história tem como protagonista a jovem Laura (Rebeca Rossato). Morando no Rio de Janeiro, Laura decide voltar para Buenos Aires para passar um tempo na casa de sua tia (Anamá Ferreira, atriz brasileira residente em Buenos Aires). Laura perde sua mala no aeroporto, e ao pegar um táxi, esquece seu celular e sua bolsa dentro dele. ela descobre que sua tia confundiu a data de sua chegada e está de viagem, retornando no dia seguinte. Sem dinheiro e sem ter a quem recorrer, Laura decide vagar pelas ruas de Buenos Aires. Sem querer, ela se envolve com traficantes de órgãos, 2 jovens irmãs trambiqueiras e outros tipos não confiáveis. "Buenas noches" tem momentos divertidos, muito por conta do estilo argentino de humor, que remete ao cinema de Aki Kaurismaki. A trama é previsível, mas encontra o seu encanto no carisma de sua atriz principal.

Embryo Larva Butterfly

"Embryo Larva Butterfly", de Kyros Papavassiliou (2023) Escrito e dirigido por Kyros Papavassiliou, "Embryo Larva Butterfly" é um instigante drama de ficção científica e fantasia, que traz um experimentalismo fabular que faz lembrar os filmes de cineastas gregos como Yorgos Lanthimos e Athina Tasangari. Concorrendo em Sitges, o filme ganhou os premios de trilha sonora original e do publico no Thessaloniki Film Festival. O roteiro em algum momento me fez lembrar de "Tempo", de M. Night Sgyamalan, e filmes de viagem do tempo. A sociedade vive o que se chama de "Tempo arbitrário": o dia seguinte não corresponde cronologicamente ao dia seguinte, podendo dar saltos temporais para o passado, futuro ou presente, e assim, ir intercalando. O filme é dividido em segmentos temporais, e a história segue essa cronologia: 2005/2023/2030/2037/2007/2032/2023/2036/2023/Hoje. Um casal, Penelope (Maria Apostolakea) e Isidoros (Hristos Sougaris) vive a cada dia a rotina do casamento, o divórcio, a juventude, a terceira idade, a morte de Isidoroos, o nascimento de um suposto filho do casal, o dia que se conheceram no speed dating. Nesse cotidiano de tempo não linear, o roteiro porpõe discutir as etapas de um relacionamento. Apesar de ter uma premissa bem curiosa e original, a forma como o diretor Kyros Papavassiliou filma e conduz é de extrema frieza, sem sentimentos, uma proposta que faz parte do chamado novo cinema grego. Fosse um filme Hollywodiano, tipo o excelente "Questão do tempo", o filme teria um alcance maior de público. Mas o rigor estrutural do cinema do país é se ater ao cinema arte, e para isso, ele funciona em partes.

Oasis of now

"Oasis of now", de Chee Sum Chia (2023) Escrito e dirigido por Chee Sum Chia, "Oasis of now" é uma co-produção da Malásia, Singapura e França. A sua narrativa extremamente lenta lembra a dos filmes do vietnamita Tran Anh Hung, de "O cheio da papaya verde". Em Kuala Lampur, capital da Malásia, Hanh (Ta Thi Diu) é uma imigrante vietnamita sem documentos que trabalha fazendo faxina em um complexo de apartamentos de uma comunidade da periferia. Todo os dias, enquanto faz faxina nas escadarias e corredores, Hanh conversa com uma menina, Ting Ting (Aster Yeow Ee), que mora ali. Ting Ting é filha de HAn, mas não sabe disso: Hahn a entregou para doação para uma família malaia que mora no condomínio, por não ter condições de sustentá-la. O roteiro de "Oasis of now" é prato cheio para um melodrama. Mas o diretor Chee Sum Chia evita sentimentalismo, e faz um filem árido, de enquadramentos rigorosos, em estilo documental. Digno representante do "slow cinema", é um filme arte que mostra o condomínio como um protagonista, e onde certamente muitas histórias poderiams er contadas.

O sentido da vida

"Soudain", de Ryusuke Hamaguchi (2026) Escrito e dirigido por Ryusuke Hamaguchi, mesmo diretor de "Drive my car", que em 2021 levou o Oscar de filme internacional e Palma de melhor atriz em Cannes, dividido entre as duas atrizes, Virginie Efira e Tao Okamoto. "O sentido da vida", que tem o mesmo título em portugu6es da obra-prima de Monthy Python, é um drama ambicioso de 3hrs16 minutos, uma epopéia intimista sobre sororidade, paixão pela arte e pelo teatro como catalisador de curas físicas e emocionais. O filme é inspirado na amizade entre a filósofa Makiko Miyano e a antropóloga médica Maho Isono, cujas cartas trocadas entre elas foram publicadas no livro "Você e eu – A doença repentinamente piora". Myano estava portadora de um câncer de mama e veio a falecer. Hamaguchi adaptou a sua história para a França. Tanto Virginie quanto Okamoto tiveram que aprender a falar o idioma da outra cultura: Virginie fala em japonês, e Okamoto fala em francê, e certamente esse empenho valeu a palma para ammas em Cannes. Marie-Lou (efira) é diretora de um lar para idosos nos arredores de Paris. Ela implementa um tratamento para os residentes baseado no método "Humanitude": uma maior aproximação na relação entre equipe médica e os pacientes, deixando de lado a relaçoã fria. Os enfermeiros reclamam, alegando cansaço pelo excesso de cuidados com cada paciente, e uma equipe pequena para tantos residentes. MArie-Lou pega um ônibus público e no caminho ela encontra um adolescente japonês autista, Tomoki, correndo atrás do ônibus. Ela desce e fica com o rapaz até que surgem seu avô Gorô (Kyōzō Nagatsuka) e Mari (Okamoto). Ele está com uma peça em cartaz, dirigido por Mari. Agradecidos, Mari convida Marie-Lou para assistir a peça. Marie-Lou fica encantada com o espetáculo e se aproxima de Mari. Ambas passam a noite conversando. Mari está com câncer terminal. Marie a convida a visitar o lar de repouso, e Mari encontra ali uma nova virada na sua vida, que lhe dá uma lufada de esperança. Mari implementa seus exercícios de atuação nos idosos. Selecionado pelo japão à uma vaga ao Oscar internacional 2027, "O sentido da vida" tem o estilo já conhecido de seu diretor: contemplativo, sem pressa, baseado em diálogos que vagam sobre intelectualismos e conversas sobre a vida e existência. As atrizes estão fantásticas. Não posso deixar de falar a longa duração do filme que me cansou bastante.

Susan e Jeremy - O Primeiro Amor

"Jeremy", de Arthur Barron (1973) Filme indie ameriano, escrito e dirigido por Arthur Barron, concorreu à Palma de ouro em Cannes 1973 e venceu o prêmio de melhor filme de estréia. Muitos críticos o compararam ao clássico sentimental "Love story", de Arthur Hiller. "Susan e Jeremy" é um coming of age romântico sobre o primeiro amor de Jeremy (Robby Benson) e Susan (Glynnis O'Connor). O filme foi lançado em 1973 e é ambientado em Nova York. Jeremy é um adolescente de 15 anos, filho de pais judeus. Ele estuda em uma high school e seu melhor amigo é o extroverdo Ralph. Jeremy é tímido, e estuda violoncelo. Ele trabalha como passeador de cães nas tardes. Ao entrar em uma sala de aula procurando por giz, ele vê Susan, uma adolescente que acaba de se mudar para a cidade, vinda do Michigan. Seu pai busca melhores oportunidades de trabalho. Com o tempo, os dois se aproximam e passam a namorar. Mas o pai de Susan recebe uma oferta de emprego em detroit, e Susan e Jeremy precisam aprender a se despedir. Lindaente filmado, com ótimos atores e uma narrativa e tom que me fez lembrar muito da obra-prima "Ensina-me a viver", de Hal Ashby. Nova York é a grande metrópole que abraça o amor do jovem casal, e é registrada em tons outonais, filmado em 16 mm.

The body remembers when the world broke open

"The body remembers when the world broke open", de Kathleen Hepburn e Elle Máijá Tailfeathers (2019) Escrito e dirigdo por Kathleen Hepburn e Elle-Máijá Tailfeathers, "The body remembers when the world broke open" é inspirado em um encontro real ocorrido com a co-roteirista e co-diretora Elle-Máijá Tailfeathers, que também co-protagoiza o filme no papel de Áila. Narrado em tempo real e com linguagem de plano sequência (não real), o filme concorreu no Festival de Berlim e ganhou o premio de menção honrosa de melhor filme canadense no Festival de Toronto 2019. Durante uma tarde chuvosa, Áila encontra na rua uma mulher descalça e chorosa, Rosie (Violent Nelson). Do outro lado da rua, o marido de Rosie a xinga. Áila a leva para a sua casa e tenta entender o que aconteceu. Ela descobre que Rosie foi vítima de violência doméstica e decide levá-la para abrir um boletim de ocorrência. Mas a inocência e ingenuidade de Rosie acabam sendo um empecilho na denúncia. Áila e Rosie são duas descendentes indígenas, nascida sno Canadá. O filme linda com muitos temas: violência contra a mulher, misoginia, sororidade, e de que forma o silêncio de uma mulher muitas vezes é motivada pelo medo e falta de conhecimentos de seus direitos. Por trazer a narrativa do tempo real, o filme traz muitas cenas de silêncio, onde nada acontece, e essa linguagem acaba trazendo uma barreira ao espectador, que pode ficar entediado. Ao mesmo tempo, esse silêncio e os tempos mortos acabam trazendo uma conotação dramática e avassaladora sobre o destino de uma mulher vítima de feminicídio.

A caixa do demônio

"Lockbox", de Daniel Stamm (2026) Fico surpreso como um filme tão fraco como "A caixa do demônio" tenha sido distribuído e lançado comercialmente nos cinemas. Tudo nele é triste: atuações, efeitos, edição, roteiro. O terror é quase nulo, e a história poderia ter sido trabalhada melhor e de forma mais instigante. E o que me irrita mais, é que novamente o terror é usado para faezr metáforas sobre lutos e traumas. Ellen Hershbergen (Carla Gugino) acaba de perder sua mãe, que estava doente. Ela se muda para uma cidade de Nova York, e agora trabalha como voluntárias de uma igreja católica. Ellen aceita cuidar de seu primo distante, Winthrop, um ex-soldado com traumas de guerra. Quando uma vizinha é encontrada morta, Wintroph é acusado de ser o assassino. Em busca da verdade, Ellen acaba se deparando com uma seita que venera um demônio que possui as pessoas com traumas, que se tornam portadores fáceis para o demônio.

All alone together

"All alone together", de Maximus Jenkins (2025) Melhor filme no Innuendo International Film Festival, "All alone together" é dirigido por Maximus Jenkins e escrito e protagonizado por Alex Nimrod. O filme busca elementos de terror psicológico para trazer realidade e ficção usando o cinema como metalinguagem, um recurso já visto inúmeras vezes e com resultados muito melhor. O roteiro é confuso, e protagonizado por personagens sem carisma. Lincoln (Alex Nimrod) é um jovem cineasta independente, que trabalha como zelador em uma high school para se manter. Seu filme, um terror, faz sucesso no circuito cult e ele é procurado por uma agente, Sloane (Elizabeth Hadjinian), e assim tentar uma distribuição melhor e maior visibiilidade para o trabalho de cineasta. mas Lincoln se torna arrogante, e aos poucos, o personagem do filme se mescla à sua vida real. O poster é muito mais instigante do que o filme. Desde o início eu já não estava curtndo. O prólogo, de 15 minutos, é na verdade, uma coletânea de cenas do filme de Lincoln. Atores medianos, terror que não acontece, uma metáfora sobre a dificuldade de novos cineastas se firmarem no complexo mercado do audiovisual.

Rescued

"Rescued", de D.J. Hale (2026) Escrito, dirigido, produzido e protagonizado por D.J. Hale, "Rescued" é um exemplo de egocentrismo de um artista que quer apresentar diversas facetas para o mundo artístico e para o público, e acaba ficando no meio do caminho. Em primeiro lugar, não dá para contar uma história tão simples e previsível em 130 minutos. O filme poderia ter sido reduzido em 40 minutos e ter um resultado muito melhor. É arrastado, interminável, repetitivo. Tyler é um homem em situação de rua. O filme traz diversos flashbackas, que o mostrava como um homem economicamente estável, em relacionamento, mas que perde tudo por decisões erradas. Tyler se isola do mundo. Quando um cachorro abandonado se coloca ao seu lado, Tyler procura afastá-lo. mas o cachorro se mantém firme, e isso faz com que Tyler passe a refletir sobre a vida que leva, e sobre uma reinvençao de si mesmo.

Rainha ao mar

"Queen at sea", de Lance Hammer (2026) Uma verdadeira porrada no estômago, "Rainha ao mar" é um drama escrito e dirigido pelo cineasta americano Lance Hammer, em co-produção dos Estados Unidos e Reino Unido. O filme concorreu ao Urso de ouro no Festival de Berlim 2026, de onde saiu com o Urso de prata do juri, e um prêmio duplo de performance coadjuvante, dividido pelos atores Anna Calder-Marshall e Tom Courtenay, no papel do casal de meia idade Martin e Leslie. Juliette Binoche interpreta a filha de Leslie, Amanda, e tem Martin como seu padrasto. A fotografia é do brasileiro Adolpho Veloso. Amanda é recém separada e te uma filha adolescente, Sarah (Florence Hunt), que não aceitou bem o rompimento dos pais. Eles same temporariamente de Newcastle, Estados Unidos, para Londres, para passar um tempo com Leslie, que sofre de Alzheimer. Quando Amanda e Sara visitam Leslie, encontram Marton fazendo s3x0 com ela. Amanda o repreende, pois acredita que Martin se aproveita da situação de demência de sua mãe paa abusá-la s3xu4lm3nt3. Amanda chama a polícia, que acaba separando o casal. Leslie fica em uma clínica de repouso para idosos, até que ela é flagrada tendo relacionamento com outro paciente, igualmente um caso de abuso. O filme trata de temas dolorosos e bastante complexos. O desfecho fica em aberto, sugerindo que Sara, que está tendo um caso com um colega da escola, futuramente irá cainhar pela mesma história de sua aví, em termos de abusos. O filme tem ritmo lento e cenas muito brutais. O grande mérito é o trabalho irrepreensível dos 3 atores principais, performances arrebatadoras e comoventes.

La bola negra

"La bola negra", de Javier Ambrossi e Javier Calvo (2026) Que diferença brutal faz quando um filme é rodado em película! 'La bola negra" foi filmado em 35 MM pela talentosa fotógrafa Gris Jordana, um trabalho fantástico de cores melancólicas, trazendo tons de drama realista e fantasia poética. Vencedor no Festival de Cannes 2025 do prêmio de melhor direção, dividido entre Javier Ambrossi e Javier Calvo, o filme foi indicado pela Espanha à uma vaga ao Oscar de filme internacional 2027. "La bola negra" é uma ode à luta pelos direitos da comunidade queer, representada no filme por medo, homofobia, tragédia e empoderamento. O filme é inspirado no manuscrito escrito por Federico Garcia Lorca, "La bola negra": com apenas 4 páginas, antes de ser assassinado. O restante da obra jamais foi encontrado. O filme traça um perfil imaginário sobre o que poderia ser o restante d aobra, que traz um protagonista homossexual. O título "La bola negra" se refere ao método histórico de votação em clubes e sociedades privadas, onde bolas brancas aprovavam e bolas negras rejeitavam um candidato. No filme, o termo representa a metáfora da rejeição e da frustração e vergonha pelo qual passa um dos personagens, que é rejeitado por suspeita de homossexualidade. O filme se passa em 3 épocas, narrando 3 histórias que se entrelaçam. Todas elas são costuradas por Alberto, no ano de 2017. Ex-escritor e agora historiador, ele recebe uma ligação avisando da morte de seu avô materno, que ele desconhecia e acreditava estar morto. O avô deixa para ele uma herança. Alberto viaja para entender o que é a herança. Em 1932, Sebastián, músico, tem seu vilarejo metralhado por italianos. Ele é obrigado por soldados espanhóis nacionalistas a fazer parte da tropa. Ele conhece um preso, Rafael, que faz parte dos republicanos. Alberto se sente atraído por ele, ao mesmo tempo que procura evitar que ele seja fuzilado. Rafael diz que era namorado de Garcia Lorca. Em 1937, a história segue Carlo, filho de família aristocrática. Seu pai quer que seja entre para o clube mediante aceitação dos votantes, que desconfiam de sua homossexualidade. Esse segmento é a representação fictícia da obra de Garcia Lorca perdida, "La bola negra". O filme tem excelente ficha técnica em todas áreas. O elenco é excelente, e o filme é repleto de cenas homoeróticas e nudez. Penelope Cruz e Glenn Close são a cereja do bolo, em cenas memoráveis.

Welcome to Fun City

"Welcome to Fun City", de (2025) Uma excelente antologia de trailer de cinema que possuem a cidade de nova York como pano de fundo. "Welcome to the fun city" reúene mais de 200 títulos, que vão dos anos 60 até o final dos anos 80, abrangendo diversos gêneros: drama, terror, policial, comédia, triller e até filmes Lgbtqiap+ (como "Boys in the band" e o controversos policial "Parceiros da noite"). Curioso assistir a narrativas tão diferentes d etrailers, e como os distribuidores trabalhavam o marketing, de acordo com a linguagem do filme. É um verdadeiro estudo sobre a história do cinema, contada por trailers, e enteder como, ao passar dos anos, a lingagem foi sendo alterada, tudo para conquistar os espectadores. "Noivo neurótio, noiva nervosa", "Uma mulher descasada", "O rei da comédia", "King Kong", "Embalos de sábado à noite", "Ghostbusters", "Perdidos na noite", "Taxi driver", "O exorcista", "O bebê de Rosemary", "Operação França", 'Shaft", "Girl friends", 'Splash-uma sereia em minha vida", são alguns dos títulos famosos. Mas o que mais chama atenção são os filmes obscuros, que eu nunca havia ouvido falar, e que me deram vontade de assistir. E o que mais me chocou, foi o trailer sem censura do slasher 'Maníaco, obra prima de William Lustig, com cenas gore e hiper violentas.

Street figther

'Street fighter", de Kitao Sakurai (2026) Lançado em 1987 pela Capcom, 'Street fighter" foi um games mais bem sucedidos da história. A sua adaptação para os cinemas era inevitável. A 1a versão veio em 1994, com Jean Claude Van Damme e Raul Julia, esse como o vilão M Bison. O 2o filme veio em 2009, focado na personagem Chun Li. Agora em 2026, chega a 3a adaptação, com Noah Centineo interpretando Ken e Andre Koji como Ruy. A personagem Chun Li retorna, com Callina Liang interpretando, e M Bison é performado por David Dastmalchian. Me surpreendeu o quanto o filme é fraco, não somente no roteiro, quanto nas cenas de luta e efeitos especiais. Talvez a intenção do diretor tenha sido fazer referências aos filmes dos anos 90, incluindo o visual. Mas achei bem tosco. Existe um humor meio pastelão durante a narrativa que ficou muito estranho e fora do tom com o restante do filme. A história gira em torno dos melhores amigos Ken e Ruy, que se separaram após a morte do Mestre. Chun Li surge e recruta a ambos para o Torneio Mundial de Guerreiros. Todos acabam descobrindo que o torneio é organizado por M Bison, que tem as suas intenções com os lutadores.

Cara de barro

"Clayface", de James Watkins (2026) Surgido em 1940, Cara de barro foi criado por Bob Kane para ser um dos vilões que lutavam contra Batman. Desde que a Dc lançou "Coringa", a lista de anti-heróis só aumenta. São vilões humanizados, que trazem a sua origem em personagens que buscam vingança por algum crime cometido contra eles. "Cara de barro" lembra demais os cults "Darkman, vingança sem rosto", de Sam Raimi, "A mosca", de David Cronemberg e "A substância", de Coralie Fargeat. A moda do Body horror, que veio com tudo nos últimos anos, traz referências aos filmes de horror dos anos 80, com efeitos práticos. Matt Hagen (Tom Rhys Harries) é um astro de Hollywood. Durante uma noite em uma balada, ele conhece Mia Torrez, uma atriz sedutora. Eles passam a noite juntos. Só que Matt não podia esperar que ela fosse amante do mafioso e chefão do crime Szabo. O bandido manda seus capangas desfigurarem o rosto de Matt, para destruir a sua carreira artística. Matt vao ao hospital e fica com o rosto destruído. Ele busca ajuda na cientista Dra. Caitlyn Corr (Naomie Ackie), que faz estudo para reconstrução do tecido cutâneo. Matt ressusrge com o rosto, mas decsobre que o líquido que ele injeta tem um efeito temporário. Matt decide se vingar de todos que destruíram a sua vida. Diversos críticos detonaram o filme. Eu gostei bastante. Trazendo elementos narrativos de filmes de terror, "Cara de barro" é violento e tem muitas cenas de gore. É um filme adulto da Dc, uma aposta que eu curti muito. O roteiro é co-escrito pelo cineasta Mike Flanagan.

Deformelody: An American Nightmare

"Deformelody: An American Nightmare", de Joshua Rivera (2025) Escrito, dirigido e protagonizado por Josué Rivera, "Deformelody: an american nightmare" é um terror de baixíssimo orçamento, realizado apenas com 2 pessoas na equpe técnica: além de Rivera, a fotógrafa e câmera Genevieve Velez. O filme é abusurdamente ruim, todo narrado em 1a pessoa, e com inacreditáveis 155 minutos de duração. Com uma narraiva que traz experimentalismo na linguagem, "Deformelody" tem na sua base, o clássico "American psycho", de Bret Easton Ellis. O Assassino (Rivera), é um homem aficionado por filmes, e obcecado por "American psycho". ele decide sair nas ruas de Los Angeles e sair matando mulheres, sem qualquer remorso. Existe uma obra-prima do terror austríaco, "Angústia", de Gerald Kargl, que é todo narrado em 1a pessoa, e o espectador entende a mente perturbada de seu protagonista assassino. Infelizmente, 'Deformelody" não chega ao nível de psicopatia assustadora. É trash, as mortes são mal produzidas, o elenco é fraco e não oferece qualquer tipo de tensão. É cansativo, entediante e um caso de egocentrismo do seu realizador.

Fragmentos

"Fragmentos", de Horacio Alcala (2025) E se a grande comédia de sucesso "O convite", de Olivia Wilde, fosse um drama romântico"? O drama espanhol dirigido por Horacio Alcala, com roteiro de Frank Ariza, podeia ser essa possibilidade. Um casal na faixa dos 35 anos, juntos há 10, estão em um momento crítico no relacionamento. Diego e Alba decidem passar as ferias em Lanzarote, para assim, tentar salvar o casamento. Lá, conhecem Irene e Ben, um casal mais velho que está planejando o casamento e administra o lugar onde estão hospedados. Todos têm seus problemas, e juntos, tentarão reinventar as suas histórias. Eu queria ter gostado do filme. Belamente fotografado, com lindas locações e bons atores. Manu Vega é um ator bem bonito e está bem sensual em cenas onde se expõe semi-nu. Algumas cena snoturnas no parque de diversões trazem romantismo. Mas é pouco para manter o interesse em uma história sem novidades.

El diablo fuma

"El diablo fuma", de Ernesto Martínez Bucio (2025) Co-escrito e dirigido por Ernesto Martínez Bucio, o premiado drama experimental "El diablo fuma" venceu no Festival de Berlim 2025 o prêmio Winner Perspectives Award Best First Feature. O filme é uma produção mexicana que trata do tema do abandono familiar. Assim como os clássicos "Todas as noite às nove", de Jack Clayton, e "Ninguém pode saber", de Hirokazu Koreeda, as crianças são abandonadas pelos pais e precisam se virar para sobreviver, s etrancando em casa e se isolando do mundo externo. A diferença é que aqui, existe a personagem da avó esquizofrênica, que tranca os 5 irmãos, entre 7 a 14 anos, em casa. Nos anos 90, uma enfermeira, Judith (Micaela Gramajo), casada com Emiliano (Bernardo Gamboa), sai de casa e não reorna mais. Emiliano sai à sua procura e também não retorna. Os cinco filhos Elsa (Mariapau Bravo Aviña), Tomás (Rafael Nieto Martínez), Marisol (Regina Alejandra), Victor (Donovan Said Martínez) e Vanessa (Laura Uribe) ficam sozinhos na casa da avó (Carmen Ramos), uma mulher esquizofrênica. Ela acredita que o Diabo os ronda. Enquanto isos, o México se prepara para a 2a vinda do Papa João Paulo II. Com uma narrativa que beira o experimental e o fantástico, 'El Diablo fuma" tem um olhar documental, com planos contemplativos, minimalistas. O filme flerta com um suspense psicológico, mas não se define como um gênero específico. É um filme lento, confuso, mas com boas performances das crianças e da atriz que interpreta a avó.

Hasta los dientes

"Hasta los dientes", de Alberto Arnaut Estrada (2018) Melhor documentário no Ariel awards em 2018, "Hasta los dientes" traz uma trágica história real ocorrido no México, envolvendo a violência do exército e do narcotráfico contra dois estudantes inocentes. No dia 19 de março de 2010, Javier Francisco Arredondo Verdugo e Jorge Antonio Mercado Alonso foram barbaamente assassinados a tiros por soldados do exército, dentro do campus aonde estudavam, no Tec Monterrey. Eles foram confundidos com criminosos que fugiam do exército nos arredores. Os soldados confundiram os dois rapazes com os criminosos e os mataram. Ao perceberem o erro, alegaram que os dois jovens estavaam "armados até os dentes", e por anos, foram dados como criminosos. O filme traz depoimentos de amigos, familiares, professores, falando sobre os sonhos dos rapazes e de como eram bons e estudiosos. Testemunhas gravaram imagens que são utilizadas no filme, apresentando os rapazes correndo dentro da área estudantil. Um relato trágico, de pessoas no lugar e na hora errada, e que somente anos depois, tiveram a sua honra recuperada.

Se eu fosse você 3

"Se eu fosse você 3", de Anita Barbosa (2026) 20 anos depois do filme original, e 17 anos depois da continuação, ambas enorme sucesso de bilheteria e dirigidas por Daniel Filho, a franquia "Se eu fosse você" surge com a parte 3, agora dirigido por Anita Barbosa e roteiro de Leandro Soares. O sucesso da marca foi tão grande, que surgiu inclusive uma série, protagnizada por Heitor Martinez e Paloma Duarte. Gloria Pies e Tony Ramos fazem uma breve participação como Helena e Claudio. Eles decidem viajar para uma 2a lua de mel e vão para a China. Bia (Cleo Pires), a filha do casal, é uma chef de cozinha renomada. Seu marido Aquiles (Rafael Infante) é um guia turístico do parque dos dinossauros em Miguel Pereira. O casal tem uma filha adolescente, Maria Clara (Valentina Daniel). Bia é insegura. Aquiles é valentão. Aquiles deseja ter mais um flho, e Bia reage mal, ela se contenta em ter Maria Clara e alega falta de tempo para cuidar de mais um filho. Durante uma discussão, os dois trocam de corpo. Agora a Chef Bia, com corpo trocado, precisa atednder 2 rigorosos críticos gastronômicos. E Aquiles/Bia, precisa participar de um campeonato de guias turísticos no parque. Os 4 atores principais estão bem em seus papéis, são atores já consagrados na comédia romântica. Quem me chamou atenção mesmo foi a atriz japonesa Yohama Eshima, que interpreta a personagem Jade, a su Chef e melhor amiga de Bia. Dosando na medida certa, ela faz crescer a cena toda a vez que aparece. O filme tem muitas participações especiais, como Rosi Campos, Paulo Rocha, Pia Manfroni.

Once Upon a Time in the Middle East

"Huan ying lai Long can guan", de Muye Wen (2026) Co-escrito e dirigido por Muye Wen, "Once upon a time in the middle east" é uma superprodução chinesa, um grande sucesso de crítica e de bilheteria. O filme foi selecionado pela China para representar o país à uma vaga ao Oscar de filme internacional em 2027. O filme incialmente seria filmado no Oriente médio, mas devido a questões de segurança, foi filmado na China, com uma gigantesca cidade cenográfica construída, reproduzindo um país do Oriente médio que contextualizasse a guerra do Iraque, em 2003. A inspiração do diretor Muye Wen foram os relatos de chines que foram para o Iraque administrar e cozinar em restaurantes chineses durante a invasão do país. O super astro chinês Shen Teng interpreta Xu Fu. Endividado, ele deixa sua filha e sua mãe na China, e parte para a fictçiia cidade de Bahata, no oridnte médio, com o propósito de ser chef e enviar dinheiro para casa. A idéia é permanecer por dois anos até poder ganhar dinheiro suficiente e retornar para a China. Ele vai trabalhar no restaurante chinês chamado Loong, administrado por Zaid, casado e com filha doente. EXu Fu fica amigo de Ma, um chinês casado com Lina, uma local que comanda um orfanato de crianças árabes. Quando a tropa americana chega, bombardeiam o orfanato. As crianças são acolhidas no restaurante, entre elas, Seif, um menino rebelde, que toma gosto em aprender a cozinhar. Outro bombardeio acaba matando a esposa e filha de Zaid, que desaparece e retorn agora como um terroista, disposto a eliminar a tropa americana. Xu Fu, Ma e Seif são confundidos pelos americanos como terroristas, e acabam presos no quartel. Fiquei impressionado com o investimento feito para o filme: muita figuração, elenco numeroso, muitos efeitos, cenas de explosão e tiroteio. O filme é um épico molodramático, e ems eu desfecho, é impossível não chorar. O roteiro traz inúmeras reviravoltas, fazendo com que a duração se alongue em quase 150 minutos. Os atores são todos excelentes, trazendo emoção e carisma.